Though numbering just 35 known works, the œuvre of Johannes Vermeer (1632–1675) is hailed as one of the most important and inspiring portfolios in art history. His paintings have prompted a New York Times best seller, a film starring Scarlett Johansson, and record visitor numbers at art institutions from Amsterdam to Washington. Vermeer’s subjects focus on daily domestic activities, from letter writing to music playing to preparations in the kitchen. The scenes astound with their meticulous detail, majestic planes of light, and with Vermeer’s extraordinary ability to draw out narrative intrigues. In such beloved paintings as Lady Standing at a Virginal, A Lady Writing a Letter with Her Maid and, most famously, the enigmatic, wide-eyed, and enchanting Girl with a Pearl Earring, Vermeer evokes not only the effects of substance and texture, but also the many stories and secrets that reside beneath the surface. Featuring all Vermeer’s known works and succinct, accessible texts, this essential introduction explores Vermeer’s leading place in art history and his unique ability to transform oil paint into a living, breathing scene of human life. Хотя известно всего 35 работ, творчество Яна Вермеева (1632–1675) считается одним из самых важных и вдохновляющих портфолио в истории искусства . Его картины стали бестселлером по версии New York Times , фильмом со Скарлетт Йоханссон в главной роли и рекордным количеством посетителей в художественных учреждениях от Амстердама до Вашингтона. Сюжеты Вермеера сосредоточены на повседневной домашней деятельности, от написания писем до игры на музыке и приготовлениях на кухне. Сцены поражают своей тщательной детализацией , величественными плоскостями света и необыкновенной способностью Вермеера вытягивать повествовательные интриги . В таких любимых картинах, как «Дама, стоящая у вирджинала», «Дама, пишущая письмо со своей служанкой» и, наиболее известной, загадочной, широко раскрытыми глазами и очаровательной «Девушке с жемчужной сережкой» , Вермеер вызывает не только эффекты вещества и текстуры, но и многочисленные истории и секреты, которые скрываются под поверхностью. В этом важном введении, включающем все известные работы Вермеера и краткие, доступные тексты , исследуется ведущее место Вермеера в истории искусства и его уникальная способность превращать масляную живопись в живую, дышащую сцену человеческой жизни.
Скандинавия славится во всем мире своими неповторимыми, демократичными дизайнами, которые стирают разрыв между ремеслами и промышленным производством, органическими формами и повседневной функциональностью. Это руководство содержит подробный обзор скандинавской мебели, стекла, керамики, текстиля, ювелирных изделий, металлических изделий и промышленного дизайна с 1900 года по настоящее время, с подробными записями о 125 дизайнерах и компаниях, работающих под руководством дизайнеров.
For the last couple of years, Steven Heller and Julius Wiedemann have traced the latest developments in illustration around the globe—and for all those who thought digital heralded the end of an era, they’re here to set the record straight. There were extraordinary eras before mass media changed our viewing habits, back in the day when illustration was the primary means of illuminating the word on paper—all the way to today, when we get our words and images on screens as small as a watch face. In this environment, today’s designers and artists are holding their own brilliantly. Illustration is more free and varied than ever, and it is ubiquitous in all kinds of media, from paper to screen to books, packages, clothing, cars, and restaurants. This book celebrates the sheer quality, diversity, intensity, comedy, vivacity, and exceptionality of the work being created by illustrators right now. The artists in this collection are just the tip of the proverbial iceberg, but they represent a compelling snapshot of the styles, techniques, and use of color by artists around the world. We dare you to pick your favorites. За последние пару лет Стивен Хеллер и Юлиус Видеманн отслеживали последние разработки в области иллюстрации по всему миру — и для всех тех, кто думал, что цифровые технологии возвещают конец эпохи, они здесь, чтобы расставить все точки над i. Были исключительные эпохи, прежде чем средства массовой информации изменили наши привычки просмотра, в те дни, когда иллюстрация была основным средством освещения слова на бумаге — вплоть до сегодняшнего дня, когда мы получаем наши слова и изображения на экранах размером с циферблат часов. В этой среде современные дизайнеры и художники блестяще держатся. Иллюстрация более свободна и разнообразна, чем когда-либо , и она повсеместно распространена во всех видах медиа, от бумаги до экрана, книг, упаковок, одежды, автомобилей и ресторанов. Эта книга прославляет чистое качество, разнообразие, интенсивность, комедию, живость и исключительность работ, создаваемых иллюстраторами прямо сейчас . Художники в этой коллекции — это лишь вершина пресловутого айсберга, но они представляют собой убедительный снимок стилей, техник и использования цвета художниками по всему миру . Мы бросаем вам вызов, чтобы вы выбрали своих фаворитов.
От величественных пейзажей пустыни до увеличенных лилий и ирисов — исследуйте уникальное и яркое творчество Джорджии О'Киф, выдающейся фигуры современного американского искусства и радикального пионера абстракции. Эта книга следует за художницей через ее новаторские инновации, крупные открытия и вдохновляющие путешествия по Юго-Восточной Азии, Индии, Ближнему Востоку и Нью-Мексико.
Родившийся в Италии Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони (1475–1564) был измученным, невероятно талантливым и богобоязненным человеком эпохи Возрождения. Его многочисленные достижения в живописи, скульптуре, архитектуре, поэзии и инженерии объединили тело, дух и Бога в визионерские шедевры, которые навсегда изменили историю искусства. Знаменитый биограф Джорджо Вазари считал его вершиной достижений эпохи Возрождения. Его коллеги называли его просто «Il Divino» («божественный»). Эта книга представляет собой необходимое введение в Микеланджело со всеми внушающими благоговение шедеврами и без очередей и толп. С яркими иллюстрациями и доступными текстами мы исследуем необыкновенную фигуративность художника и знаменитый стиль terribilitа (моментного величия), который позволял человеческой и библейской драме существовать в убедительном масштабе и пылу. Просматривая центры влияния Италии эпохи Возрождения, мы знакомимся с его крупными заказами и феноменальной способностью к созданию композиционных схем, будь то знаменитая библиотека Медичи во Флоренции или необычный потолок площадью 500 квадратных метров (1508–1512) в Сикстинской капелле в Ватикане. От возвышающегося Давида до мучительной скорби и веры «Пьеты» и яркой драмы «Страшного суда» в Сикстинской капелле — это краткая и надежная ссылка на настоящего гиганта в истории искусств и на некоторые из самых известных произведений искусства в мире.
Уникальное видение Эль Греко Для своих современников в Венеции конца XVI века Эль Греко (1541-1614) был противоречивым парнем, прирожденным художником, наделенным необыкновенным талантом, но упрямым в следовании своему собственному пути. На протяжении всей своей карьеры, по мере того как он продвигался от Крита до Венеции, Рима и, в конечном счете, Толедо, Испания, «Грек» стоял особняком от своих сверстников, объединяя различные западные художественные традиции, чтобы создать уникальный изобразительный язык. Целеустремленный стиль Эль Греко отвергал натурализм и отвергал доступность. Такие работы, как «Разоблачение Христа» (1577-79), «Погребение графа Оргаса» (1586-88) и «Видение Святого Иоанна» (1608-14), демонстрируют удлиненные, скрученные фигуры; нереальные цвета; и экспериментальную передачу пространства — все это сопротивлялось легкому просмотру и вместо этого было нацелено на искусство эпического величия и интеллектуальной красоты. Часто подвергавшийся подозрениям и критике при жизни, Эль Греко был возрожден отрядом ярых современных поклонников, включая Пабло Пикассо, Роджера Фрая и пионера Der Blaue Reiter Франца Марка. Сегодня художник принадлежит к привилегированной группе великих старых мастеров живописи, будучи как аномалией своего времени, так и точкой отсчета на протяжении веков. Это важное введение из TASCHEN Basic Art 2.0 исследует влияния и составляющие радикального и уникального видения Эль Греко, от символического мира византийских икон и гуманистических ценностей эпохи Возрождения до зарождающихся начал концептуальной практики.
Имя Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610) всегда считалось именем. Известный плохой мальчик итальянского барокко, художник был одновременно знаменитым и противоречивым, жестоким по характеру, точным в технике, творческим мастером и человеком в бегах. Хотя он и прославился своим драматическим использованием цвета, света и тени, именно нарушающий границы натурализм Караваджо вписал его имя в анналы истории искусства. От грязных подошв ног до сексуализированной томности обнаженной плоти художник позволял даже священным и библейским сценам раскрываться с поразительной, часто инстинктивной человечностью. Этот яркий живописный мир сопровождался столь же интенсивной личной биографией, отмеченной азартными играми, долгами, пьяными драками и даже обвинением в убийстве. В этой книге собраны более 50 самых известных и революционных работ Караваджо, чтобы исследовать, как и почему этот художник сегодня считается важнейшим художником раннего периода барокко и одним из определяющих факторов в истории искусства, без которого Рибера, Вермеер, Рембрандт, Делакруа, Курбе и Мане никогда бы не смогли писать так, как они это делали.
Вслед за самым продаваемым руководством по использованию логотипа Bibliotheca Universalis, этот второй том посвящен фирменному стилю. В глобализованном мире все больше и больше символов передают такие ценности, как доверие, качество или надежность. В этом каталоге подробно показано, как тексты, изображения и идеи объединяются в отличительные бренды. От авиакомпаний и бакалейных товаров, спортивной одежды и компьютеров, музеев и журналов до марок автомобилей, музыкальных лейблов, фармацевтических препаратов и интернет-порталов, эта группа предлагает около 4500 логотипов брендов, включая полную справочную информацию о дизайнерах, годе происхождения и стране, а также как бренды и компании. Отличный справочник для всех, кто интересуется идеями и концепциями, на которых основан брендинг.
Антонио Гауди объединил ориентализм, естественные формы и новые материалы в эстетику модернизма , которая сделала Барселону Меккой для поклонников архитектуры. С новыми фотографиями, планами, чертежами Гауди и полным приложением его работ , включая незаконченные проекты , эта книга переносит нас в уникальное мировоззрение гордого каталонца.
Бетон? Это безликое вещество парковок или коммунистических высотных зданий, верно? Ну да. И нет. Бетон на самом деле — это название, применяемое к удивительно широкому спектру строительных веществ, и при правильном обращении он является одним из благородных материалов современной архитектуры. Будучи своего рода «жидким камнем» в начале, он податлив, долговечен и способен на изумительные подвиги инженерии. Это издание Bibliotheca Universalis освещает лучшие работы, выполненные в бетоне за последние годы. В него входят такие звезды, как Заха Хадид, Herzog & de Meuron и Стивен Холл, а также удивительные новые архитекторы, такие как русские SPEECH, и художники, такие как Джеймс Таррелл, который превратил знаменитую бетонную спираль Гуггенхайма Фрэнка Ллойда Райта в Нью-Йорке в обстановку одного из своих самых замечательных произведений.
Дьявол в деталях: жизнь и эпоха Адольфа Лооса Адольф Лоос (1870–1933) был яркой личностью, чье присутствие в культурном очаге Вены начала 1900-х годов оживило архитектурный ландшафт страны. Ранний, страстный сторонник модернизма, он полностью отверг великую эстетику сецессионизма, преобладающую в современной венской архитектуре, а также любые отличительные черты европейского fin de siecle. Вместо этого в лекциях и эссе, таких как эпохальное произведение «Орнамент и преступление» 1913 года, Лоос сформулировал свою страсть к гладким и драгоценным поверхностям. Он утверждал, что архитектурный орнамент по своей природе эфемерен, заперт в современных тенденциях и стилях, и поэтому быстро устаревает. Поступая так, он втягивает в устаревание здание, которое он украшает. Лоос, сам классицист в душе, вместо этого выступал за простые, вечные проекты с проверенными временем эстетическими и структурными качествами. Достигнув известности в Вене в 1890-х годах благодаря коммерческим розничным проектам в городе, Лоос разработал свой фирменный стиль, представив концепцию пространственной плановой архитектуры и отказавшись от декоративных излишеств в пользу роскошных, высококачественных материалов, выполненных в четких линиях. Крупные проекты, такие как Венский музей кафе (1899), Дом Лооса (1912) и магазин модной одежды Knize (1913), разделили критиков, общественность и даже королевскую власть. Император Франц Иосиф I отказался бы проезжать мимо Дома Лооса, ощетинившись гневом на его нагло минималистскую эстетику. В этом введении к красочной и вдохновляющей карьере Адольфа Лооса мы можем исследовать труды, достижения и наследие, которые продолжали звучать на протяжении десятилетий, влияя на последующие стили и поколения в архитектурном диалоге между сложной и элементарной эстетикой.