Искусство, архитектура, дизайн - страница 8

The ‘Garden of England’, ’The High Weald’, these are phrases that describe a 70-year-old Area of Outstanding National Beauty in Southern England. Among these dramatic landscapes and ancient woodlands stand many castles, mansions and cottages, ringed with orchards, meadows, drifting flowers and horticultural exotica. Featured gardens range from grand landscapes to works of glorious eccentricity, Arts and Crafts green rooms to postage stamp-sized plots of ingenuity. Wilderness weaves into floral genius, while native and exotic species stand side-by-side – all within the unique climate of the English garden. Including chapters on English Parks, Arts and Crafts Gardens and Woodland Gardens, Where the Wildness Pleases – The English Garden Celebrated pays homage to English horticultural excellence and tells the gripping stories behind some of our most breath-taking landscapes. This book also features a handy Who’s Who of designers, gardeners, plant hunters and nurserymen, and a brief guide to English playing greens – cricket, bowling, croquet and tennis. This is a welcome guide for anyone interested in visiting this astonishingly beautiful part of the country, or those thinking of buying a plot. «Сад Англии», «Высокий Уилд» — вот фразы, которые описывают 70-летнюю Зону выдающейся национальной красоты в Южной Англии. Среди этих драматических ландшафтов и древних лесов возвышается множество замков, особняков и коттеджей, окруженных садами, лугами, дрейфующими цветами и садовой экзотикой. Представленные сады варьируются от грандиозных ландшафтов до произведений великолепной эксцентричности, от зеленых комнат искусств и ремесел до участков изобретательности размером с почтовую марку. Дикая природа переплетается с цветочным гением, в то время как местные и экзотические виды стоят бок о бок — и все это в уникальном климате английского сада. Включая главы об английских парках, садах искусств и ремесел и лесных садах, Where the Wildness Pleases — The English Garden Celebrated отдает дань уважения английскому садоводческому совершенству и рассказывает захватывающие истории, стоящие за некоторыми из наших самых захватывающих дух пейзажей. В этой книге также есть удобный справочник « Кто есть кто» среди дизайнеров, садоводов, охотников за растениями и питомников, а также краткое руководство по английским играм на лужайках – крикету, боулингу, крокету и теннису. Это желанный путеводитель для всех, кто заинтересован в посещении этой удивительно красивой части страны или тех, кто думает о покупке участка.

Dining out is so much more than just what you can order off the menu. Tasteful serves up a selection of restaurant interiors that add an eye-catching element to the dining experience. The ever-evolving landscape of the gastronomic industry never fails to surprise with new ideas and trends -- and Tasteful is a testament to that. A follow-up on the earlier gestalten title Appetizer, this book is a curated selection of the most eye-catching interiors of new restaurants, cafes, bars and all kinds of food places. Featuring a variety styles from a host of diverse locations around the planet, Tasteful serves as both a travel guide for intrepid foodies and an inspiration for those passionate about design. Ужин вне дома — это гораздо больше, чем просто то, что вы можете заказать из меню. Tasteful предлагает широкий выбор интерьеров ресторанов, которые добавляют привлекательный элемент обеденному опыту. Постоянно развивающаяся гастрономическая индустрия никогда не перестает удивлять новыми идеями и тенденциями, и Tasteful является тому подтверждением. Эта книга, являющаяся продолжением более раннего гештальт-названия «Закуска», представляет собой тщательно подобранную подборку самых привлекательных интерьеров новых ресторанов, кафе, баров и всех видов заведений общественного питания. Коллекция Tasteful, представляющая разнообразные стили из самых разных уголков планеты, служит одновременно путеводителем для бесстрашных гурманов и источником вдохновения для тех, кто увлечен дизайном.

Art Deco style is everywhere, from travel posters to furniture, fine art to design. This new edition offers an introduction to this classic aesthetic. Focusing on Art Deco graphic art and illustration, this gorgeous new book features fascinating text on the movement in general, fashion and advertising, accompanied by beautiful reproductions of work by talents such as Barbier, Erté, Cassandre and Colin. Sympathetic examples of other forms of Art Deco are also included. Стиль ар-деко присутствует повсюду: от туристических плакатов до мебели, от изобразительного искусства до дизайна. Это новое издание предлагает введение в эту классическую эстетику. Эта великолепная новая книга, посвященная графике и иллюстрациям ар-деко, содержит увлекательные тексты о движении в целом, моде и рекламе, сопровождаемые прекрасными репродукциями работ таких талантов, как Барбье, Эрте, Кассандра и Колен. Также включены симпатичные примеры других форм ар-деко.

The first book from rising star and design-world favorite Amanda Reynal, Designing Rooms with Joie De Vivre: A Fresh Take on Classic Style celebrates spaces dedicated to busy, bustling, happy households and families and homeowners who love to entertain and socialize. Beloved for her fresh designs, Amanda Reynal is as popular as she is unique. Her down-to-earth clients are passionate about making their homes stylish, but they also want interiors that favor comfort over formality and the furniture’s provenance. Reynal’s artful approach creates spaces brimming with intriguing and clever furnishings, richly patterned surfaces, and lots (and LOTS) of color. Her focus on pretty rooms that dazzle—but remain inviting to kids, family, and friends—is a look and perspective that is missing from most books on the design shelf. Each chapter of Designing Rooms with Joie de Vivre guides readers through key rules of interior design, then builds on those lessons to show just how to incorporate color in a modern and affordable way, add excitement to a room with “wow moments” like a patterned ceiling, layer a space for comfort, and add small details that make a big, joyful difference. Первая книга восходящей звезды и любимицы мирового дизайна Аманды Рейнал "Дизайн комнат с жизнерадостностью: свежий взгляд на классический стиль" посвящена пространствам, предназначенным для занятых, шумных, счастливых семей и домовладельцев, которые любят развлекаться и общаться. Аманда Рейналь, известная своими свежими дизайнерскими решениями, столь же популярна, сколь и уникальна. Ее клиенты, придерживающиеся практичных взглядов, стремятся сделать свои дома стильными, но они также хотят, чтобы в интерьерах комфорт превалировал над формальностью, а мебель соответствовала происхождению. Благодаря искусному подходу Рейналя помещения наполняются интригующей и продуманной мебелью, богато украшенными поверхностями и множеством (очень БОЛЬШИМ) цветов. Ее акцент на красивых комнатах, которые поражают воображение, но остаются привлекательными для детей, семьи и друзей, — это взгляд и перспектива, которых нет в большинстве книг по дизайну, представленных на полках. Каждая глава книги “Дизайн комнат с жизнерадостностью” знакомит читателей с ключевыми правилами дизайна интерьера, а затем, основываясь на этих уроках, показывает, как использовать цвет современным и доступным способом, привнести в комнату изюминку с помощью "вау-моментов", таких как узорчатый потолок, создать пространство для комфорта и добавить маленькие детали, которые имеют большое, радостное значение.

One of the most accomplished human beings who ever lived, Leonardo da Vinci remains the quintessential Renaissance genius. Creator of the world’s most famous paintings, this scientist, artist, philosopher, inventor, builder, and mechanic epitomized the great flowering of human consciousness that marks his era. As part of our Bibliotheca Universalis series, Leonardo da Vinci – The Graphic Work features top-quality reproductions of 663 of Leonardo’s drawings, more than half of which reside in the Royal Collection of Windsor Castle. From anatomical studies to architectural plans, from complex engineering designs to pudgy infant portraits, delve in and delight in the delicate finesse of one of the most talented minds, and hands, in history. Один из самых выдающихся людей, когда-либо живших, Леонардо да Винчи остается квинтэссенцией гения эпохи Возрождения. Создатель самых известных картин в мире, этот ученый, художник, философ, изобретатель, строитель и механик олицетворял великий расцвет человеческого сознания, который знаменует его эпоху. В рамках нашей серии Bibliotheca Universalis, Leonardo da Vinci – The Graphic Work представляет высококачественные репродукции 663 рисунков Леонардо, более половины из которых находятся в Королевской коллекции Виндзорского замка. От анатомических исследований до архитектурных планов, от сложных инженерных проектов до пухлых детских портретов, окунитесь и насладитесь тонким изяществом одного из самых талантливых умов и рук в истории.

From the legendary Tank Girl to live-action animations with Gorillaz, a Chinese contemporary opera to an exhibition at the Saatchi Gallery, artist Jamie Hewlett is one of the most energetic figures of contemporary pop culture. With influences ranging from hip hop to zombie slasher movies, Hewlett emerged in the mid-1990s as co-creator of the zeitgeist-defining Tank Girl comic. With then-roommate Damon Albarn, he went on to create the groundbreaking cartoon band Gorillaz. The award-winning virtual pop group of animated characters is a truly global phenomenon. Gorillaz have topped charts around the world, toured the globe from San Diego to Syria, and picked up hundreds of millions of streams and record sales along the way. Since then, Hewlett has continued to collaborate with Albarn on projects including an elaborate staging of the Chinese novel Monkey: Journey to the West by Wu Cheng’en, complete with circus acrobats, Shaolin monks, and Chinese singers. In 2006, he was named Designer of the Year by the Design Museum in London, and in 2009, Hewlett and Albarn won a BAFTA for their animated Monkey sequence for the Beijing Olympic Games. In 2015 The Suggestionists, an exhibition of prints at the Saatchi Gallery in London, demonstrated an exciting new direction in Hewlett’s practice. This special edition celebrating TASCHEN’s 40th anniversary updates Hewlett’s first major monograph with around 30 brand new pieces. The book illustrates his thrilling creative journey with more than 400 artworks from the Tank Girl era through Gorillaz and up to the present day. Through stories, characters, strips, and sketches, we trace Hewlett’s exceptional capacity for invention and celebrate a polymath artist who refuses to rest on his laurels, or to be pigeonholed into a particular practice. От легендарной Tank Girl до живых анимаций с Gorillaz , китайской современной оперы и выставки в галерее Saatchi, художник Джейми Хьюлетт является одной из самых энергичных фигур современной поп-культуры . С влиянием от хип-хопа до фильмов ужасов о зомби, Хьюлетт появился в середине 1990-х годов как соавтор комикса Tank Girl , определяющего дух времени . Вместе с тогдашним соседом по комнате Дэймоном Албарном он создал новаторскую мультяшную группу Gorillaz . Отмеченная наградами виртуальная поп-группа анимированных персонажей является поистине глобальным явлением. Gorillaz возглавляли чарты по всему миру, гастролировали по всему миру от Сан-Диего до Сирии и собрали сотни миллионов стримов и рекордные продажи по пути. С тех пор Хьюлетт продолжил сотрудничать с Албарном над проектами, включая сложную постановку китайского романа « Обезьяна: Путешествие на Запад» У Чэнъэня с цирковыми акробатами, монахами Шаолиня и китайскими певцами. В 2006 году он был назван Дизайнером года Музеем дизайна в Лондоне, а в 2009 году Хьюлетт и Албарн выиграли премию BAFTA за анимационный эпизод «Обезьяна» для Олимпийских игр в Пекине. В 2015 году выставка гравюр The Suggestionists в галерее Saatchi в Лондоне продемонстрировала захватывающее новое направление в практике Хьюлетта. Это специальное издание, посвященное 40-летию TASCHEN, обновляет первую крупную монографию Хьюлетта примерно 30 совершенно новыми работами . Книга иллюстрирует его захватывающее творческое путешествие с более чем 400 работами от эпохи Tank Girl до Gorillaz и до наших дней . С помощью историй, персонажей, стрипов и зарисовок мы прослеживаем исключительную способность Хьюлетта к изобретательству и восхваляем художника-полимата, который отказывается почивать на лаврах или вписываться в рамки определенной практики.

An icon of 1980s New York, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) first made his name under the graffiti tag “SAMO,” before establishing his studio practice and catapulting to fast fame at the age of 20. Although his career lasted barely a decade, he remains a cult figure of artistic social commentary, and a trailblazer in the mediation of graffiti and gallery art.Basquiat’s work drew upon diverse sources and media to create an original and urgent artistic vocabulary, biting with critique against structures of power and racism. His practice merged abstraction and figuration, poetry and painting, while his influences spanned Greek, Roman, and African art, French poetry, jazz,and the work of artistic contemporaries such as Andy Warhol and Cy Twombly. The results are vivid, visceral mixtures of words, African emblems, cartoonish figures, daubs of bold color, and beyond.This book presents Basquiat’s short but prolific career, his unique style, and his profound engagement with ever-relevant issues of integration and segregation, poverty and wealth. Икона Нью-Йорка 1980-х годов, Жан-Мишель Баския (1960–1988) сначала сделал себе имя под граффити-тегом «САМО», а затем начал свою студийную практику и быстро добился славы в возрасте 20 лет. Хотя его карьера продлилась всего лишь год. десятилетие он остается культовой фигурой художественного социального комментария и первопроходцем в области граффити и галерейного искусства. Его практика объединила абстракцию и фигурацию, поэзию и живопись, в то время как его влияние охватывало греческое, римское и африканское искусство, французскую поэзию, джаз и работы современников-художников, таких как Энди Уорхол и Сай Твомбли. Результатом являются яркие, интуитивные смеси слов, африканских эмблем, мультяшных фигур, ярких цветных мазков и т. д. В этой книге представлена ​​короткая, но плодотворная карьера Баскии, его уникальный стиль и его глубокое участие в вечно актуальных проблемах интеграции и сегрегации. , бедность и богатство.

Paul Gauguin (1848–1903) was not cut out for finance. Nor did he last particularly long in the French Navy, or as a tarpaulin salesman in Copenhagen who did not speak Danish. He began painting in his spare time in 1873 and in 1876 took part in the Paris Salon. Three years later, he was exhibiting alongside Pissarro, Degas, and Monet.A querulous, hard-drinking individual, Gauguin often called himself a savage. His close but fraught friendship with the similarly temperamental Vincent van Gogh climaxed in a violent incident in 1888, when van Gogh purportedly confronted Gauguin with a razor blade, and later cut off his own ear. Shortly afterwards, following the completion of a midcareer masterpiece Vision After the Sermon (1888), Gauguin took himself to Tahiti, with the intention of escaping “everything that is artificial and conventional…”On Tahiti, Gauguin’s unfettered joy in the island’s nature, native people, and figurative images soared, spurring a prolific output of paintings and prints. In works such as Woman with a Flower (Vahine no te Tiare, 1891) and Sacred Spring: Sweet Dreams (Nave Nave Moe, 1894), he developed a distinct, Primitivist style that positively oozed with sunshine and color. In the tradition of exotic sensuality, his thick, buttery lashings of paint lingered in particular over the curves of Tahitian women.Gauguin died alone, on Tahiti’s neighboring Marquesas Islands, with many of his personal papers and belongings dispersed in a local auction. It was not until a smart art dealer began curating and showing Gauguin’s work in Paris that the artist’s profound influence began making itself felt, especially to the new breed of French avant-garde artists, such as Picasso and Matisse.This book offers the essential introduction the artist’s truly colorful life, from the Impressionist salons of 1870s Paris to his final days in the Pacific, productive and passionate to the end. Поль Гоген (1848–1903) не был создан для финансов. Он также не продержался особенно долго во французском флоте или как продавец брезента в Копенгагене, не говоривший по-датски. Он начал рисовать в свободное время в 1873 году и в 1876 году принял участие в Парижском салоне. Три года спустя он выставлялся вместе с Писсарро, Дега и Моне. Ворчливый, сильно пьющий человек, Гоген часто называл себя дикарем. Его тесная, но напряженная дружба с таким же темпераментным Винсентом Ван Гогом достигла кульминации в жестоком инциденте в 1888 году, когда Ван Гог якобы столкнулся с Гогеном с лезвием бритвы, а затем отрезал себе ухо. Вскоре после этого, после завершения шедевра середины карьеры Видение после проповеди (1888), Гоген отправился на Таити, намереваясь избежать «всего искусственного и условного…» На Таити безудержная радость Гогена от природы острова, местных жителей и образных образов взлетела, стимулируя плодовитый выпуск картин и гравюр. В таких работах, как Женщина с цветком (Vahine no te Tiare, 1891) и Священная весна: Сладкие грезы (Nave Nave Moe, 1894), он разработал особый примитивистский стиль, который положительно сочился солнцем и цветом. В традиции экзотической чувственности его густые, маслянистые мазки краски задерживались, в частности, на изгибах таитянских женщин. Гоген умер в одиночестве, на соседних с Таити Маркизских островах, а многие из его личных документов и вещей были разбросаны на местном аукционе. Лишь когда один толковый торговец произведениями искусства начал выставлять работы Гогена в Париже, глубокое влияние художника стало ощущаться, особенно на новое поколение французских художников-авангардистов, таких как Пикассо и Матисс. Эта книга предлагает основополагающее введение в поистине яркую жизнь художника, от салонов импрессионистов в Париже 1870-х годов до его последних дней на Тихом океане, плодотворную и страстную до самого конца.

Discover the master of Modernist simplicity, Tadao Ando. Bringing our XXL-sized tribute to a smaller, more convenient format, this collection spans the architect’s entire career—including new projects like the Shanghai Poly Grand Theater and the Roberto Garza Sada Center in Monterrey, Mexico—and profiles each structure through photographs and architectural drawings. Откройте для себя мастера модернистской простоты Тадао Андо. Перенося нашу дань уважения размера XXL в меньший, более удобный формат, эта коллекция охватывает всю карьеру архитектора , включая новые проекты, такие как Шанхайский поли-театр и Центр Роберто Гарса Сада в Монтеррее, Мексика, и описывает каждое сооружение с помощью фотографий и архитектурных чертежей.

If you were a consumer of literature in the nineteenth century, chances are the volumes in your library featured the illustrations of Gustave Doré. From the Bible to Shakespeare, Balzac to Milton, Cervantes to Poe, Doré’s intricate, romantic, and exuberant drawings brought great works to life, and were as treasured as the stories and poetry they depicted. Furthermore, as this magnificent book reveals, he was also a skilled sculptor, painter, and cartoonist. This book spans Doré’s entire career, with chapters dedicated to specific works such as The Divine Comedy, Don Quixote, Tennyson’s Idylls of the King, and medieval fairy tales—each featuring exquisite full-page reproductions that allow Doré’s genius for line, shading, and texture to shine through. The authors also provide a background on the techniques that Doré employed to achieve his exquisite works. Fans of Doré will appreciate this volume’s spectacular production, which features quarter binding, gold foil stamping, embossing on the cover and spine, a belly band, and silkscreen printing on three edges. Filled with incisive analysis and expert historical perspectives, this book is the consummate collector’s item—a volume as expansive and sensational as the artist himself. Если вы были потребителем литературы в девятнадцатом веке, скорее всего, в томах вашей библиотеки были иллюстрации Гюстава Доре. От Библии до Шекспира, от Бальзака до Мильтона, от Сервантеса до По — замысловатые, романтические и яркие рисунки Доре воплощали в жизнь великие произведения и ценились так же, как рассказы и поэзия, которые они изображали. Более того, как показывает эта великолепная книга, он также был опытным скульптором, художником и карикатуристом. Эта книга охватывает всю карьеру Доре, а главы посвящены конкретным произведениям, таким как «Божественная комедия» , «Дон Кихот» , «Королевские идиллии» Теннисона и средневековые сказки, каждая из которых содержит изысканные полностраничные репродукции, которые раскрывают гений Доре в области линий, теней и текстура, которая просвечивает. Авторы также рассказывают о методах, которые Доре использовал для создания своих изысканных работ. Поклонники Доре оценят впечатляющее оформление этого тома: четверть переплета, тиснение золотой фольгой, тиснение на обложке и корешке, поясную ленту и шелкографию по трем краям. Эта книга, наполненная проницательным анализом и экспертными историческими взглядами, является непревзойденным предметом коллекционирования — томом, столь же обширным и сенсационным, как и сам художник.

The British heritage brand, Cabbages & Roses was founded in 2000 by Christina Strutt and Bridgitte Buchannan, and for the past 21 years Christina has been dressing both homes and their owners in her trademark faded floral and barely-there striped cottons and linens. A Life in Fabric celebrates every aspect of this very unique Cabbages & Roses lifestyle. Divided into color-themed chapters, from Charcoal Whites to Raspberry Pinks, Hues of Blue to Berry Goodness and Lilac Loveliness, Strutt takes you on a tour through the fabric-filled homes (and gardens) she has adorned with her muted palette. Be inspired by her endless ways to use fabric and vintage finds in the home, from old quilts and throws in the bedroom, to faded floral curtains, pillows and sofas in the living areas, napkins and tablecloths in the kitchen, and fabric draped canopies and deckchairs in the garden. Whatever the room or style of architecture, Christina’s relaxed philosophy and her love of the beauty of imperfection create timeless, accessible, and relaxing interiors that are perfect for today’s living. Британский бренд наследия Cabbages & Roses был основан в 2000 году Кристиной Страт и Бриджит Бьюкенен, и вот уже 21 год Кристина одевает и дома, и их владельцев в свои фирменные выцветшие цветочные и едва заметные полосатые хлопковые и льняные ткани. A Life in Fabric прославляет каждый аспект этого уникального образа жизни Cabbages & Roses. Разделенный на тематические главы по цветам, от угольно-белых до малиново-розовых, оттенков синего до ягодного совершенства и сиреневого очарования, Страт приглашает вас на экскурсию по домам (и садам), заполненным тканями, которые она украсила своей приглушенной палитрой. Вдохновляйтесь ее бесконечными способами использования тканей и винтажных находок в доме, от старых одеял и покрывал в спальне до выцветших цветочных занавесок, подушек и диванов в гостиных, салфеток и скатертей на кухне, а также тканевых балдахинов и шезлонгов в саду. Независимо от комнаты или стиля архитектуры, расслабленная философия Кристины и ее любовь к красоте несовершенства создают вневременные, доступные и расслабляющие интерьеры, которые идеально подходят для сегодняшней жизни.

Woodblock printing is a traditional artistic medium in Japan most renowned for its use in ukiyo-e or 'floating world' prints. Both moving and mesmerising, this medium captures scenes with considerable atmosphere and vibrancy whether it be crashing waves, autumn leaves or serene waterfalls. Beginning with a fresh and thoughtful introduction to Japanese woodblock art, Japanese Woodblocks Masterpieces of Art goes on to showcase key works by artists such as Katsuhika Hokusai and Ando Hiroshige. Печать на дереве является традиционным художественным средством в Японии, наиболее известным по его использованию в укиё-э или гравюрах «плавающего мира». Одновременно трогательный и завораживающий, этот материал захватывает сцены с большой атмосферой и яркостью, будь то разбивающиеся волны, осенние листья или безмятежные водопады. Начиная со свежего и вдумчивого введения в японское искусство гравюры на дереве, японские шедевры искусства на дереве продолжают демонстрировать ключевые работы таких художников, как Кацухика Хокусай и Андо Хиросигэ.